viernes, 23 de septiembre de 2011

Peliculas para un dia de lluvia


 De vez en cuando escribo en el blog sobre películas para ver en momentos especiales, tal fue el caso del especial de halloween del año pasado, que repetiré en breve. En esta ocasión sin embargo, no se trata de recomendaciones de un género en particular. Con la llegada del otoño, vuelven esos días grises cargados de melancolía que también tienen su encanto, quién no ha disfrutado de una tarde lluviosa en su casa viendo una película junto a la calefacción y una manta. Seguramente todos, y aunque normalmente en esos momentos cualquier cosa que veamos puede que nos reconforte o nos entristezca, hay un halo de misterio y onerismo en esas tardes que uno echa de menos de vez en cuando, y para no malgastar una de esas tardes viendo algún telefilm malo o recurrir a una película de Barbra Streissand aquí os dejo algunos films ideales para ver mientras las gotas se deslizan por las ventanas.

Saddest Music in the World (Guy Maddin, 2003)

Sinopsis: "En Canadá, durante la Gran depresión, una mujer organiza un concurso internacional para encontrar la melodía más triste del mundo.."
¿Por qué es ideal para ver un día de lluvia? Por su temática, propensa a la nostalgia y la tristeza, que compagina a la perfección con una tarde de tormenta. Pero además formalmente la película también se impregna de ese halo, estando realizada con las técnicas propias del cine de los años veinte y con gran audacia en cuanto a la resolución de secuencias, vamos, el estilo habitual de Maddin llevado al límite. Una maravilla melancólica, una oda a la tristeza que, sin embargo, despierta alegría durante su visionado, si además el ambiente en el que se ve es propicio con unas gotas de lluvia, el resultado es perfecto.
El Momento: La escena final, que muestra la cultura americana como una amalgama de culturas sin tener una propia y única que la defina, quizás lo más triste de todo el film.

The Countess (Julie Delpy, 2010)

Sinopsis: Basada en la leyenda de Elisabeth Bathory, condesa húngara que se bañaba en la sangre de sus víctimas para mantenerse joven y así mantener enamorado a su amante más joven que ella.
¿Por qué es ideal para ver un día de lluvia? Temáticamente es ideal, aunque no penséis que se trata de una película de terror ya que podríais quedar algo decepcionados. Se trata de un drama de época con bastantes toques de romanticismo y de terror sobrenatural, pero ante todo es una historia de amor imposible. De ahí que la lluvia ayude a generar un clima propicio a su visionado. Julie Delpy dirige y protagoniza esta película y hace mucho mejor lo segundo que lo primero, aunque el resultado es más que aceptable en ambos casos.
El Momento: Aquel en el que la condesa descubre accidentalmente que la sangre de una de sus doncellas es mejor que la Nivea.


Tropical Malady (Apichatpong Weerasethakul, 2004)

Sinopsis: Dos jóvenes se enamoran en un ambiente a camino entre la gran ciudad atestada de vehículos y la selva repleta de sonidos sugerentes. Después, un soldado debe enfrentarse a un fantasma en el bosque.
¿Por qué es ideal para ver un día de lluvia? Por su efectismo, o más bien, por la falta de este. Por la sensación que destila de unión con la naturaleza, por las incógnitas que plantea sobre el ser humano y la búsqueda de su propio fantasma. Mucho antes de ganar Cannes, Weerasethakul ya era un gran cineasta mundialmente aclamado (de hecho ésta ganó el premio del jurado en Cannes 2004), capaz de hacernos sentir fantasmas en el corazón y así, demuestra su valía en esta cinta, idónea para dejarse llevar, para sumergirse en su mundo de placeres sensoriales mientras oímos el rumor del aguacero precipitándose sobre nuestra casa.
El Momento: La película está dividida en dos mitades, la primera más "lógica" o racional, y la segunda más sensorial. De la primera destacaría la visita a la cueva junto a la guía, que además es un preámbulo a la segunda mitad, de la que elegiría el enfrentamiento con el tigre con todo su simbolismo sagrado que parece contener.


La Dolce Vita (Federico Fellini, 1960)

Sinopsis: La vida de un periodista en busca de celebridades y de darse la buena vida que más allá de sus fantasias acaba siendo vacía e inconsistente. Fellini decía que la premisa de la película es que si Jesucristo volviese a la tierra, qué se encontraría.
¿Por qué es ideal para ver un día de lluvia? Principalmente por el ambiente que transpira, más allá de Anita Eckberg y la fontana de Trevi, es una película con muchos toques neorealistas (lo que, a grosso modo podríamos decir que no lleva una continuidad argumental fija), repleta de momentos, escenas y tonos diferentes. Uno de ellos sería la constante dicotomía entre lo religioso y lo mundanal, el advenimiento de los "nuevos profetas" y la caída de valores. Quizás exija algo de parte del espectador pero un buen día de lluvia así lo merece.
El Momento: El guateque que tiene lugar casi al final, al que pertenece la imagen superior, en la que todo se vuelve primitivo y los pies adquieren un valor de icono fetichista arcaico, se rompen las reglas de cortesía y en un nivel más semiótico podríamos decir que a la actriz Anouk Aimée la están haciendo el amor.

Vidocq (Pitof, 2001)
Sinopsis: "A principios del siglo XIX, Vidocq es un detective que muere repentinamente mientras busca al "Alquimista", un extraño asesino que siembra el caos en el Paris de la época devorando el alma de la gente, su biógrafo irá reconstruyendo sus últimos pasos para descubrir al asesino."
¿Por qué es ideal para ver un día de lluvia? De nuevo, la estética juega un papel fundamental en la elección de esta película. Pero además, una buena película de época que conjuga terror y misterio es el elemento que le falta a todo día tempestuoso. Una genial película que entretiene y tiene grandes hallazgos visuales.
El Momento: El principio del film, en el que Vidocq pide al alquimista, como última voluntad, ver su rostro...

Carretera Perdida ("Lost Highway", David Lynch, 1997)

Sinopsis: Trata sobre los celos. Una joven pareja recibe cintas de video en las que hay grabaciones hechas en su propio hogar mientras duermen...
¿Por qué es ideal para ver un día de lluvia? Porque la estética de la cinta sobrepasa la pantalla y te engulle hacia  un abismo entre lo onírico y lo terrorífico en el que deseas saber qué pasa en cada momento pero la belleza de las mismas imágenes te nubla la razón. Porque en más de una ocasión te apretujarás en la manta buscando un sentido que te haga pensar que lo que ves es sólo cine, aunque el ambiente de tu hogar se haya rociado por completo de ocultismo.
El Momento: Hay infinidad de momentos en esta obra maestra para recordar, pero me quedo con dos: La fiesta en la que aparece el hombre pálido y el extraño coito en el desierto con las luces del coche como única fuente de luz a ritmo de "Song to the Siren" de My Mortal Coil justo antes de que se descubra la verdad.

viernes, 9 de septiembre de 2011

Comienza el Festival de cine de Madrid-PNR


 Ayer por la noche se inauguró la vigésima edición del festival de cine de Madrid-PNR (Plataforma Nuevos Realizadores), un clásico del cine independiente de la capital que nació como plataforma de exhibición de cortometrajes pero que en esta edición, por segundo año consecutivo cuenta con una sección oficial de largometrajes en los que se podrá ver una selección de películas inéditas que no encuentran distribución. Las películas y los cortos se podrán ver en hasta cuatro salas de la ciudad (Círculo de Bellas Artes, Filmoteca Española, Universidad Rey Juan Carlos y el espacio Camon). Además, para propiciar la retroalimentación entre cineastas-espectadores, cada tarde a las 18.00 habrá un coloquio en el Café Galdós.

 En cualquier caso podéis consultar las películas, cortos y eventos en la programación oficial. El festival tiene lugar del 8 al 15 de septiembre.

La inauguración

 Como he comentado antes, ayer fue la inauguración, a la que pude asistir y donde proyectaron el corto "La Maleta" de Victor R. Bachiller y Norberto Gutierrez, dos buenos amigos a los que deseo mucha suerte en su carrera. Después, la presentadora, con un vestido rosa con hombreras que parecía sacado de una novela de terror decimonónica, se dedicó a soltar un monólogo como bien pudo, y lo cierto es que supo salir al paso con gracia pese a los continuos murmullos de tasca que se oían sin cesar. Y es que ese era uno de los puntos fuertes y débiles del local; por un lado el tener un chiringuito justo al lado del escenario propiciaba un ambiente distendido y divertido, pero a su vez también echó por los suelos la ceremonia de inauguración. En general creo que, aunque soy consciente de que se trata de un festival con pocos medios y bastante desconocido para el gran público, esperaba algo más de la ceremonia de inauguración.

 El local elegido, el "Colectivo La Latina", daba la impresión desde fuera de ser un centro okupa, con una imagen un tanto clandestina, incompatible con la idea de hacer el festival más accesible, aunque fuese una ceremonia sólo para invitados se podría haber puesto más énfasis en la imagen del sitio y la "gala", al menos si querían que fuesen personalidades de todo tipo como el alcalde de Madrid. Cabe destacar la presencia de Montxo Armendariz y algún que otro escritor conocido.

 Pese a estas deficiencias heredadas de otros años y que son culpa únicamente de la organización hay que destacar la labor de voluntarios y aquellos que se esfuerzan con interés para que el festival salga adelante como Miriam Montero y Eduardo Hernández López, que están siendo el brazo ejecutor este año, realizando labores de todo tipo para que la organización salga adelante y que no han sido incluidos, por falta de tiempo, en los agradecimientos del festival.

Cine inédito y con sello de calidad

 Pese a todo, lo que importa es el festival en si y la verdad es que para cualquier amante del cine éste tiene una pinta estupenda, especialmente gracias a la proyección de cintas que difícilmente llegaremos a ver en salas por problemas de distribución y que merecen, por su calidad, un espacio donde exhibirse. Nada más, os espero estos días en Madrid, una ciudad de cine.

viernes, 2 de septiembre de 2011

Lo que nos espera en la temporada cinematográfica 2011 – 2012

 Coincidiendo con el fin del verano comienzan a llegar los títulos fuertes de la temporada cinematográfica que tendrá su cenit allá por febrero con los habituales premios académicos que no siempre acaban siendo un reflejo de la verdadera calidad de la cosecha anual. Los meses que quedan hasta entonces serán un continuo flujo de rumores, festivales (Venecia, Toronto, San Sebastian, etc) y estrenos de todo tipo. A partir de marzo la cartelera se suele llenar de películas de entretenimiento de clase A, dejando de lado otro tipo de producciones. Aquí va un adelanto de lo mejor y peor que llegará hasta primavera:

 Un método peligroso. Director: David Cronenberg. Intérpretes: Viggo Mortenssen, Michael
Fassbender, Keira Knightley.
Sinopsis:"Biopic sobre la relación entre Sigmund Freud, su pupilo, una misteriosa joven y un
paciente libertino".
Una de las favoritas del festival de Venecia y de las más esperadas del año. Un nuevo acercamiento al tema carnal tan abundante en el cine de Cronenberg desde una perspectiva aparentemente más clasicista. Los protagonistas ya suenan como los mejor posicionados de cara a la temporada de premios.
Estreno en España: 25 de noviembre.



Melancholia. Director: Lars Von Trier. Intérpretes: Kirsten Dunst, Charlotte Gainsbourg.
Sinopsis: "Durante la celebración de una boda comienzan a suceder fenómenos extraños en los
astros y un planeta desconocido se dirige rumbo a la tierra cambiando los comportamientos de los
habitantes."
Lars Von Trier es un tipo duro, su cine, guste o no, siempre sorprende y es original al cien por cien. Ésta parece temáticamente formar un díptico algo esotérico junto a "Anticristo". De nuevo su actriz principal ganó en Cannes y él fue odiado y criticado por doquier. Desde luego es, tras "El árbol de la vida", el estreno más misterioso y fascinante del año.
Estreno en España: 4 de noviembre.


Red State. Director: Kevin Smith.
Sinopsis: "En la América profunda, un pequeño grupo de adolescentes con diversas tendencias
sexuales quedan para realizar una fiesta, sin embargo, un grupo fundamentalista religioso tiene
otros planes para ellos."
Kevin Smith, artífice de algunas de las mejores comedias de los 90, necesitaba renovarse. En los últimos diez años sólo había realizado cintas irregulares cuando no mediocres, véase el ejemplo de una de las últimas, "Vaya par de polis" o de "Zack y Miri hacen una porno". Así que a Smith decidió aparcar la risa y tirarse de cabeza a un drama realista con tintes de terror escrito por él mismo sobre la intolerancia y el sectarismo religioso de EEUU. La crítica no se pone de acuerdo a la hora de calificarla aunque quienes la han visto dicen que es bastante dura y polémica. Por el trailer parece agobiante y claustrofóbica.
Estreno en USA: 19 de octubre. En España: desconocido.



Los hombres que no amaban a las mujeres. Director: David Fincher.
Sinopsis: "Un periodista y una hacker tratan de averiguar qué sucedió con una joven desaparecida
en extrañas circustancias cuarenta años atrás."
El remake americano de la película sueca promete ser una de las joyitas del año. Según declaraciones de Daniel Craig tras verla en la sala de montaje, admitió que no esperaba para nada la brutalidad de ciertas escenas, así que pinta muy bien. Desde luego promete ser la bomba del año y el descubrimiento de Rooney Mara (La red social, Pesadilla en Elm Street el Origen), actriz con un potencial sorprendente. Reconozco que no he visto la trilogía sueca ni he leído los libros y, aunque nunca he dudado de su calidad, no me han llamado la atención nunca. Sin embargo este trailer que os enseño a continuación sí que ha conseguido despertar expectativas, habrá que seguirla de cerca..
Estreno en España: enero 2012


The Rum diary. Director: Bruce Robinson. Interpretes: Johnny Depp.
Sinopsis: "Un periodista en crisis vital convive en Puerto Rico con personas autodestructivas"
La adaptación de una novela muy popular de los años sesenta que ha sido largamente retrasada,
finalmente podremos verla en Toronto y puede ser la sorpresa del año.
Estreno en España: finales de 2011


La Tempestad. Director: Julie Taymor. Intérpretes: Russell Brand, Alfred Molina, Djimoun Houston, Helen Mirren.
Sinopsis: "Adaptación New age de la obra de Shakespeare del mismo nombre en la que Helen Mirren interpreta a Próspero, antiguo rey de Milán exiliado con su hija a una isla. Allí mejora sus poderes de alquimista y provoca una tempestad para que aquellos que le exiliaron naufreguen a la isla que habita."
 He tenido la ocasión de poder verla, pues tenía unas expectativas muy altas viniendo de la directora de "Titus", "Frida" o las versiones de Broadway de "El Rey León" o "Spiderman: el musical". Si veis el trailer, os llamará la atención la cantidad de efectos especiales que tiene, algunos bien usados, otros cutres a más no poder. Es cuanto al texto, lo adapta casi palabra por palabra, lo que contrasta con la modernísima puesta en escena, que recuerda más a una performance moderna repleta de excentricidades visuales y recargamiento en todos los apartados, sin duda, lo mejor de la película. Lo demás es insulso, aburrido y mal planificado, dejando una de las decepciones de la temporada. Recomiendo el trailer antes que la película.
Estreno en España: ¿Octubre 2011? 


J.Edgar. Director: Clint Eastwood. Intérpretes: Leonardo DiCaprio, Naomi Watts.
Sinopsis: "Biopic de Edgar Hoover, que en 1924 originó al actual FBI"
Eastwood es siempre un valor seguro. Se comenta que será una de las favoritas en los óscars y que Leonardo DiCaprio tiene casi asegurada la estatuilla. Personalmente "Más allá de la vida (hereafter)" no me gustó nada pero Eastwood siempre consigue sacar un nota de moralidad a una historia aparentemente normal sin que por ello renquee la calidad de la misma.
Estreno: finales de 2011
No hay trailer todavía.



sábado, 6 de agosto de 2011

13 Asesinos (Takashi Miike, 2010): Mucho más que una revisión del Chambara-Jidaigeki


 Como ya he comentado en otro post, llevo un mes realizando artículos para Crazyminds. El último es esta reseña que os dejo sobre la película de inminente estreno "13 Asesinos", la (antepen)última película del siempre polémico y ecléptico Takashi Miike, (Las últimas son el remake de "Harakiri (seppuru)" la obra maestra de Masaki Kobayashi y la adaptación del manga y serie de tv "Nintama Rintaro"). Esta vez se atreve con el Chambara y encima con un remake del clásico de Eiichi Kudo "Los trece asesinos" (1963) en la que un reducido grupo de samuráis decide vengar y devolver la dignidad a una familia asesinando al protegido del Shogun, un sanguinario noble protegido por un fiel ejército de doscientos guerreros.

Como puede observarse, la trama sigue la estela de otros clásicos como "Los siete samurais" o "47 Ronin", lo que no impedía a la original ser un disfrute de primer nivel y no una copia burda como podría parecer a simple vista. En el caso que nos ocupa, Miike pone un gran énfasis en recrear un "Chambara crepuscular", esto es, del mismo modo que en los últimos años las películas de western americano se dedicaban a alejarse del mito y mostrar la verdadera cara del "héroe del oeste", en este caso Miike profundiza en los personajes mostrando además de los típicos valores japoneses de dignidad y deber, el del miedo (magistralmente captado en una escena con la animadversión por los insectos) y en la época en que desarrolla la trama, justo al final de la era del shogunato, con lo que durante todo el metraje se nos presenta un mundo a punto de desaparecer.

La película viene directa de una gran carrera internacional, de haber pasado por las secciones oficiales a concurso del festival de Venecia 2010 y de Sitges o ganar cuatro premios de la academia de cine japonés, y la verdad es que no es para menos. La cinta está elegantemente distribuida en dos actos bien diferenciados; mientras que durante la primera hora nos adentramos en la psicología de los personajes o somos testigos de la sádica crueldad del protegido del shogun (atención a las escenas sangrientas, donde Miike se engrandece con su rico y retorcido imaginario visual). La parte final, de unos cincuenta minutos de duración, es una mastodóntica trifulca a espadas que huele a otra época y que está tan bien rodada, sin apenas trucos por ordenador y manteniendo en todo momento un punto de vista claro que permite seguir la acción al espectador, que eleva aún más a la película a la categoría de "clásico contemporáneo". Por otro lado, la buena medida del tempo y el montaje, junto a una sobriedad interpretativa o la sensacional puesta en escena con efectos especiales tradicionales (salvo unos toros "embolaos" que quitan algo de verosimilitud a la pelea) hace que nos encontremos ante la que seguramente sea la mejor película de la cartelera de verano.

Respecto a su autor, creo que es una de las películas más contenidas de Takashi Miike y aun así consigue impregnar de un aura autorial a todo el film, por tanto las "locuras" de este director no son en ningún momento excesivas y resultan verosímiles, aun así un personaje, el decimotercer asesino, es totalmente "Miikeano" y con él de nuevo introduce sus ya habituales dicotomías entre escenas sobrias y elegantes y otras alocadas y surreales. A este último pertenece el estupendo guiño casi al final de la película a aquellos que se quejan de la incoherencia de su obra, una genialidad que no quiero estropear para que descubra el espectador por si mismo.

Por otro lado me gustaría comentar que no todo el mundo disfrutará "13 Asesinos" por igual, pues la segunda mitad a muchos les resultará demasiado sangrienta, en otras palabras; no es la película ideal para una primera cita precisamente y es importante saber que uno no va a ver sólo cine de entretenimiento, (que también), sino cine de calidad. Es por ello que ciertos momentos puedan resultar algo densos, como toda la planificación del asesinato, y que la batalla final, que como ya he comentado está magníficamente rodada, pueda llegar a cansar a algunos espectadores, aunque afortunadamente es lo suficientemente dinámica como para que en ningún momento se haga demasiado larga ni repetitiva, lo que es casi un milagro tratándose de escenas de acción. En cuanto a los actores, el dueño de la función es Koji Yakusho, conocido por "Babel" o "La anguila" del gran Imamura, todo un ejemplo de sutileza gestual y consigue que su personaje, un samurai con contradicciones (defiende al Shogun pero organiza el asesinato del cruel heredero).

Finalmente, comentar la alegría que, de vez en cuando, se produzcan remakes tan interesantes y que aporten tanto como éste. Aun así, he de advertir que el mismo no llega al nivel del original, todo un clásico del chambara, no en vano, Miike le ha cogido gusto a los remakes (desde 2006 sólo realiza secuelas, adaptaciones o remakes, eso si, siempre desde su particular visión del mundo). Por el momento, para quien quiera revisar la original en que se basa "13 Asesinos" que sepa que se trata de una trilogía conocida como "Samurai revolution" que su director, Eiichi Kudo realizó entre 1963 y 1966 cuya primera entrega sería ésta que nos ocupa, seguida de "El Gran duelo" (1964) y "Los once samuráis" (1966). Como última recomendación para su pleno disfrute recomiendo, como siempre, verla en versión original.

Calificación: 3,5 / 5




Os dejo un trailer subtitulado:

sábado, 23 de julio de 2011

Artículos escritos para Crazyminds

  Como habréis podido comprobar, estas primeras semanas de verano he tenido el blog un tanto parado, no así la escritura de artículos y es que he estado colaborando con una web sobre música en la nueva sección de cine que han decidido hacer un artículo recopilatorio de lo que he escrito para Crazyminds por si os parece interesante. En cualquier caso en breve estaré de nuevo más activo en CinemaSioner con nuevas curiosidades. Aquí os dejo los artículos, que van desde monográficos a críticas:

Como cada año, el Festival de Cine de Cannes exhibió gran parte de las películas que más darán que hablar en cuanto lleguen a las salas. Este año la cosecha ha sido más internacional que nunca, y es que incluso el cine independiente norteamericano se ha nutrido de directores foráneos para sus producciones pero también un nueva horda de cineastas de todas partes con suculentas nuevas ideas cinematográficas.
Ejemplos de esta tendencia son el danés Nicolas Winding Refn (Drive) o el italiano Paolo Sorrentino (This Must Be The Place). En el primer caso, el premio a mejor director en el citado festival de Cannes asegura una buena cantidad de premios en meses venideros y, puesto que se trata de una producción estadounidense, está en una posición privilegiada de cara a los Óscar. Su premisa es sencilla; un especialista de Hollywood (Ryan Gosling) se ofrece como conductor de huidas para atracadores de bancos. Al parecer, las reacciones de quienes la han visto son entusiastas y resaltan el buen dominio del tempo, lo que la convierte en una de las cintas más esperadas de este año.  SEGUIR LEYENDO...


 Cada vez que un cineasta se pone a la tarea de adaptar un best seller de la literatura siempre surgen las típicas opiniones enfrentadas y normalmente la balanza acaba decantándose a favor del libro. Sin embargo, cuando la adaptación la hace un autor como el franco-vietnamita Tran Anh Hung, hay que recalcar los matices. La novela de la que parte, titulada en España como Tokyo blues cuyo nombre internacional es Norwegian Wood en referencia a una canción de los Beatles, es una obra semi-autobiográfica en la que un hombre recuerda su juventud a través de sus primeros amores, las revueltas estudiantiles en las que permaneció impasible o la pérdida de la inocencia.
 Quien conozca la obra Anh Hungpensará que esta historia le viene como anillo al dedo, pues se trata de uno de los más importantes cineastas de su generación que sin apenas diálogos consigue momentos cargados de semiótica y belleza. No hay más que revisar ese retrato de la violencia que es Cyclo, ganadora del León de oro en Venecia, o su poética ópera prima El olor de la papaya verde. Sin embargo, la adaptación cinematográfica tiene como principal problema el que precisamente es uno de los puntos claves del libro y algo que el cineasta domina a la perfección; los detalles. Tran Anh Hung se deja llevar por su gusto estético y sonoro prestando menos atención a la estructura y la historia. SEGUIR LEYENDO...

A menudo sucede que importantes películas que esperamos con ansia nunca llegan a nuestras fronteras. El problema, principalmente, suele ser el escaso margen de riesgo de la mayoría de distribuidoras, que adquieren los derechos de las producciones de las grandes majors, dejando aquellas películas independientes, arriesgadas o sin estrellas a distribuidoras de menor peso que en el mejor de los casos acabarán editando dichas obras en formato doméstico.
Casos hay miles, pero he recopilado unos cuantos que a mi parecer son bastante llamativos e incluso hay directores cuyas obras siguen siendo en su mayoría inéditas en España, tal es el caso de Guy Maddin (del que el festival de Toronto declaró el mejor cineasta de la pasada década), Brillante Mendoza o Hong Sang-soo.
Aquí va una pequeña muestra de películas independientes de última hornada que, probablementejamás serán distribuidas en España; Fido (Andrew Currie, 2006), una irónica comedia sobre zombies protagonizada por Carrie Ann Moss (The Matrix, Memento) que recibió grandes aplausos en todos los festivales por los que pasó y doy fe que merece un estreno en condiciones en salas, sobre todo echando un ojo a la cartelera veraniega. SEGUIR LEYENDO...

La premisa de esta película argentina, que cuenta con toda clase de premios internacionales, es sencilla. Un conflicto vecinal generado a raíz de una ventana, la que el vecino Daniel Araoz decide abrir en su casa para poder tener luz, el problema es que dicha ventana da directamente a la casa de Leonardo (Rafael Spregelbuld), afamado diseñador que vive nada menos que en una casa diseñada por Le Corbussier, hermosa y funcional pero con algunos problemas de seguridad.
No hace falta decir que la ventana es una excusa de la que se sirven los directores para desarrollar la relación entre ambos vecinos, que por momentos llega a ser del arquetipo “hombre rico, hombre pobre”. Es aquí donde se crea el mayor suspense y la película funciona mejor; en esa sensación de peligro cotidiano, muy al estilo de Michael Haneke, en el que las acciones del vecino “pobre” parecen imprevisibles y que además reflejan la lucha de clases desde el lugar más básico; sus casas. Sin embargo, no nos engañemos, esta amenaza no es más que otra cortina de humo que sirve al verdadero interés del guión; mostrar las cualidades morales de uno y otro. De esta manera, uno sabe a mitad de film por dónde va a seguir la película, que se esfuerza en destacar cada vez más la apariencia soez y sucia del vecino pero reforzando su moralidad mientras mina la del protagonista Leonardo, aparentemente impecable al inicio de la cinta. Es aquí donde surge el otro problema de la producción, y es que el guionista fuerza las situaciones en muchos puntos, especialmente en las relaciones familiares y algunas escenas no acaban de tener la fuerza suficiente, dejando a ratos un relato anodino y poco interesante ya que durante gran parte del film casi toda su fijación es el conflicto de la familia desestructurada, que sin embargo sólo es capaz de ver como su mayor amenaza que les vean a través de una ventana. SEGUIR LEYENDO...

 Eso es todo por el momento, espero que os gusten estos artículos fuera de CinemaSioner. Repito que no tiene nada que ver con el blog y que seguiré actualizando este con más periocidad. Muchas gracias ;)

miércoles, 13 de julio de 2011

Películas "únicas" de vampiros

 Aunque no soy muy seguidor del cine de vampiros actual, que incluso por momentos me repugna desde que tuve la ocasión de ver "Luna nueva", de lo más absurda, aburrida, arrítmica y puritana que he visto nunca. ¿cómo puede "Crepúsculo" ser un fenómeno fan?. Lo único que saqué en claro es la falsa moral que tienen los estudios para vender a las niñas la importancia de que no "te muerdan" hasta el matrimonio mientras se deleitan con el torso desnudo del hombre lobo (depilado al raso, por supuesto).

 Pero en este artículo no pretendo dar protagonismo a esa inefable saga, sino dar "voz" a películas de vampiros que van en otra onda, lejos de modas y superficialidades, y que además tienen su propia personalidad y fuerza por si misma. Es por ello que no citaré películas imprescindibles como la mayoría de Dráculas (desde el de Browning a Coppola pasando por el de Fisher) ni películas en exceso conocidas (Nosferatu, Entrevista con el vampiro, Noche de miedo, Déjame entrar...). Esto va de otra cosa, de ese "otro" cine de vampiros que me lleva hipnotizando desde hace años, e incluso me llevó a rodar con algunos amigos un corto-documental cercano en la forma y el fondo del que hablaré algún día.

 -The Addiction (Abel Ferrara, 1995)


A mediados de los 90, Abel Ferrara decidió llevar el subgénero vampírico más allá. El paisaje urbano que recrea en esta curiosa película es bastante amplio; desde las peligrosas calles del Bronx neoyorkino a la aparente tranquilidad de un apartamento burgués o los pasillos de una inquietante universidad. A pesar de la modernidad que destila, la fotografía opta por el blanco y negro, dotando al producto de un acabado casi "de contrabando" que funciona muy bien a la historia. 
 En general, fue de las primeras películas que además de sexualizar al vampiro se trata su problema como una metáfora de las drogas, así esa relación que se establece entre ambas temáticas funciona a la perfección. No hay duda que es pretenciosa y, dentro de su pretendida fealdad, resulta preciosista, pero cuenta con unos diálogos y unas escenas de reflexión sobre los vampiros muy interesantes desde el punto de vista filosófico y vital. Muy recomendable.

 El momento: La fiesta casi al final de la película, todo espectador la recordará.

-Drácula: pages from a virgins diary (Guy Maddin, 2002)


 No es la primera vez que reivindico una película de Maddin, sin duda, uno de los directores que más me apasionan. Tampoco es la primera vez que comento esta película, ya la incluí en la lista de mejores películas de 2001. En si, esta versión muda en ballet de Drácula es de lo más refinada, sensible y a la vez siniestramente hermosa. Con una delicada puesta en escena, que simula, como casi todas las obras de Maddin, la textura del cine pre-sonoro, se nos cuenta la misma historia del famoso vampiro de una forma única y delicada, con fuerzas visuales actuales y una estructura que se rompe en colores según el relato lo va necesitando. La rareza llega a tal extremo que el actor que encarna al conde es chino, lo que no supone un handicap negativo, sino que incluso dota al relato de una fuerza aún más potente de cara al espectador.

 Absolutamente todo; la música, la puesta en escena, los intertítulos y la estructura están cuidados al detalle y con mimo. Como curiosidad, comentar que se centra en la historia de Lucy y no la de Mina, como casi todas las versiones de Drácula. Ganó a mejor película en el festival de Sitges.

El momento: El baile en el cementerio.

-La sombra del vampiro (E.Elias Merhige, 2000)


 "La sombra del vampiro" surge de la leyenda en torno a Max Schrek, el "actor" que dio vida al conde Orlock en la mítica "Nosferatu" (Murnau, 1922), nunca se supo la procedencia de este actor y debido a su brutal y sobrecogedora interpretación, unido a que su apellido, en hebreo significa "grito", dio pie a muchas leyendas. Esta película, estrenada en el año 2000 recoge la historia del rodaje de Nosferatu y la tesis de que Shreck, del que nunca más se supo, pudiera ser un chupasangre. Aunque a nivel cinematográfico no ofrece nada nuevo y es un poco repetitiva, recomiendo verla a todo fanático como yo del expresionismo y del cine dentro del cine. Por desgracia, no se supo trasladar el esoterismo de Nosferatu al ambiente que se respira en esta cinta, una pena.
 La película fue conocida, sobre todo, gracias a la nominación al óscar como mejor actor secundario a Willem Dafoe encarnando a Max Schrek en un ejemplo de mímesis gestual y maquillaje perfecto.

El momento: Max Schrek mordiendo sin parar a una víctima después de acabar la toma.

-El Circo de los vampiros (Robert Young, 1972)


 Cuando escribí el artículo sobre la Hammer films hace un año hablé sobre algunas de mis películas favoritas de la productora, pensando siempre en continuarlo con un segundo e incluso tercer artículo que escribiré pronto. Una de las rarezas que me llevan a hacerlo es mi pasión por su cine de vampiros que ni es clásico ni moderno, que es sexual pero desde la sutileza, en definitiva, que tiene algo de especial. Una de las que más me han llamado la atención es "El circo de los vampiros", sobre un extraño circo de bestias de todo tipo que llega a una población rural del siglo XVII causando inexplicables muertes con una bonita historia de amor soterrada en medio. Se intentó hace dos años dar algo de actualidad fundiendo esta sinopsis con la de Harry Potter en la nefasta "El circo de los extraños" (2009). Por suerte, esta producción de la Hammer no tiene nada que ver y supone uno de los títulos más extravagantes aunque algo irregular de la productora. Lo recomiendo.

 El momento: La persecución de la pantera por el bosque.

-Nadja (Michael Almeyda, 1994)



 Y con "Nadja" cerramos el círculo abierto con "The addiction". Quizás ésta sea la más extravagante y rara de toda la lista, aunque faltaría, según los puristas, "La hambruna" (1983) que todavía no he podido ver pero que comparte raíces underground con estas dos propuestas recién mencionadas. Producida por David Lynch, que también interpreta un pequeño papel, es una cinta decididamente intelectual, que utiliza el tema vampírico para hablar en clave de subtexto. Así, sobre la imagen, en blanco y negro, aparecen numerosas reflexiones sobre la sociedad actual (o más bien de finales de los 90) en cuanto al uso de drogas, enfermedades, necesidades etc, siendo la de los vampiros una metáfora del desajuste moral y social del fin del milenio. La protagonista, que recuerda en cierto aspectos a la personificación de la muerte en la gran "El séptimo sello" (1957) es una vampiresa que tiene como intención un nuevo comienzo y reunir a la familia. Destacar también que algunas escenas, las de los ataques, fueron rodadas con una cámara de juguete Fisher-Price.

El momento: El plano secuencia de la vampiresa caminando con la música de Portishead de fondo.

martes, 21 de junio de 2011

Enter the void (Gaspar Noe, 2009): La pesadilla cinematográfica



Sinopsis: "Óscar y su hermana malviven en Tokio con empleos poco recomendables. Un día, Óscar es asesinado, entonces su alma saldrá de su cuerpo para cumplir la promesa de proteger a su hermana."

 Hace tiempo que tuve la ocasión de ver esta película, "Enter the void", del argentino afincado en Francia Gaspar Noé, director de la polémica "Irreversible" (2002), sin embargo, no sabía por dónde empezar, porque la propuesta que nos presenta es a ratos tan anti-cinematográfica que no se atañe a ninguna costura previa. Ya el título deja claras las intenciones iniciales "Entrar al vacío", un vacío existencial que nos llevará a deambular por las tétricas calles de una expresionista ciudad de Tokio. Y no es algo gratuito, todo el film está rodado en primera persona, es decir, desde la mirada del protagonista, al estilo de "La dama del lago", aquella extraña cinta de cine clásico cuyo única perspectiva era la subjetiva del protagonista. En "Enter the void" esto se lleva al extremo, y durante los primeros veinte minutos seremos testigos incluso de los parpadeos o las sensaciones psicotrópicas que las drogas causan a Óscar. Pero será a partir de la muerte de Óscar cuando dejemos de "hacer pie" en este mundo y la cámara flotará a lo largo de las restantes dos horas de película en torno a los protagonistas, a menudo en perspectiva cenital, otras veces justo detrás del propio protagonista que se recuerda a si mismo en flashbacks y una gran variedad de recursos inauditos en el cine que normalmente resuelve con mucha elegancia visual.

Nirvana y psicodelia

 Gaspar Noé ganó el premio a la mejor fotografía en el festival de Sitges de 2009  y compitió en la sección oficial del festival de Cannes ese mismo año, donde dejó al público asistente atónito y obtuvo un premio especial a la labor de fotografía, que ya os digo, es lo mejor de la cinta, un absoluto alarde de técnica, conocimiento del campo de rodaje y sobre todo de planificación. Todo ello para darnos la impresión de una vista omnisciente, una perspectiva que lo ve todo, y aunque sólo sea por esta experimentación ya merece la pena darle un visionado.

 En este aspecto, el de la fotografía, hay que incidir en el exceso que hace de la iluminación de neón característica de Tokio, y es que en ocasiones esta película será una verdadera pesadilla para un epiléptico; la enorme saturación de focos de luces y cortes rápidos del montaje os van a dejar completamente idos. Quedáis advertidos.

 Una de las cosas más interesantes que presenta la cinta es la relación entre contenido y la forma. En realidad, el argumento versa sobre la reencarnación y la necesidad de acabar los objetivos de la vida (en este caso, proteger a su hermana, interpretada por la actriz de origen español Paz de la Huerta (Boardwalk empire). Esta creencia espiritual y budista se funde a la perfección con la forma en que está  rodada la película, aunque en ocasiones Noé se muestra algo reiterativo con una serie de flashbacks sobre la trágica infancia de los hermanos o se recrea en exceso en esos viajes omniscientes que recorren la ciudad, todo ello rodeado de un ambiente opresor y pesadillesco que en ocasiones se torna demasiado tétrico y acaba cansando, ya que desorienta y marea, lo que sin duda se proponía. Aunque lo más radical son sin duda los últimos veinte minutos de los que no voy a comentar nada para no estropear el "explícito" final.

 En definitiva es un drama único y que recomiendo encarecidamente ver si se arma uno de paciencia y ganas de experimentar, pues no olvidemos que se trata de una película que no se atiene a ninguna norma y muy especial ya incluso desde sus títulos de crédito, que recomiendo encarecidamente, a pesar de ello no puedo evitar sentir un halo de grandiosidad exagerada por parte de su autor que creo, acaba jugando una mala pasada a la película. Noé debe tener un ego del tamaño de Tokio y en mi opinión podía haberlo ocultado más sutilmente en el resultado final.

 En cualquier caso, si no tenéis tiempo de experimentar durante dos horas y media del film aquí os dejo el trailer, para que os hagáis una idea de lo que os vais a encontrar. Decir también que "Enter the void" me entusiasmó por todo lo que aporta desde lo visual al lenguaje y la forma de entender la película, a pesar de la escasa calificación que la otorgo y que en ocasiones me resultase insoportable de acabar (será que me estoy volviendo viejo).

Calificación: 2 / 5





Otros análisis de "Enter the void":